經歷過自70年代末爆發之post-punk運動洗禮的樂迷，總會對那種賦予闇黑美學的樂隊為情有所鍾。年少輕狂而又強說愁的年代，就是喜歡如斯聽得日月無光、鬱悒頹靡的沉溺感，從前的香港樂評就以「低調」甚至「死亡派」來形容這門獨立音樂風格，換上較具體的說法也許就是deadpan吧。這陣子，聽著英國樂隊The Horrors七年來的全新專輯《Night Life》，要是我直言得以回到post-punk / goth黃金年代的感覺，大抵會有人不苟認同，但他們今次卻的確好能呈現到這派闇黑美學vibes。
對比我在80年代認識的經典post-punk / goth樂隊，以高個子主唱Faris Badwan為首的The Horrors仍算是較近代的名字。實情今年已是The Horrors的成軍20週年，而《Night Life》就是他們開宗明義地回歸闇黑風、屬於月黑風高深夜的專輯。
忘不了聽到The Horrors在2006年發表的首支單曲〈Sheena Is A Parasite〉之深刻印象，神經質的garage-psych-goth-punk歌曲，配以Chris Cunningham執導那個極cult極詭異的mv——漆黑的鏡頭內女演員Samantha Morton活像凶靈附體般失控狂舞，The Horrors則猶如精神病患者那樣演出，大癲！從此奠定了他們的黑暗系樂隊形象。
The Horrors的有趣之處，是多年來他們的音樂是在不斷發生蛻變。正如樂隊並沒有停留過在被稱之為「給畸形人與怪人的精神病聲音」的2007年首張專輯《Strange House》時那樣短小精悍garage-punk式歌路。從《Strange House》到兩年後的2009年第二張專輯《Primary Colours》，我們正見證到The Horrors的莫大變化，簡直「判若兩團」，也是說《Primary Colours》跟之後2011年的《Skying》專輯，The Horrors的歌曲來得多添修飾與旋律化，從其post-punk的基因衍生出shoegaze、dream-pop、nu-krautrock之風格，多了幾分唯美、幾分電幻。簡言之， The Horrors的音樂就是愈來愈「好聽」、愈來愈悅耳。
也是這個傾向，The Horrors的聲音也愈見富有明亮色彩感，漸漸「褪黑」，即使樂隊名字如舊喚作「恐怖」，但舊日的goth底蘊已幾乎蕩然無存。來到《Luminous》和《V》這兩張2014和2017年專輯，總被視為The Horrors遭低估的作品，明明水準不俗，但就是好像流失了樂隊本身的個性，何況後者的封面設計扮日本版唱片弄得不倫不類也令到他們有點尷尷尬尬。2021年The Horrors先後出版了《Lout》和《Against the Blade》兩張走去模仿Nine Inch Nails那種美式industrial路線的EP，感覺就是「唔知你哋想點」，那時我心想：The Horrors真的要完蛋，可以把這隊樂隊放棄了；有英國的朋友說，The Horrors已經淪為一個笑話。
也許是樂隊經過了痛定思痛，去年10月The Horrors帶來睽違三年的回歸單曲〈The Silence That Remains〉，在Faris沉壓著唱出死亡氣息的冷洌唱腔與鬼魅氛氣下，重新呈現樂隊的濃郁goth色彩，再次黑暗起來。然後聽到跟著多首先行單曲：〈Trial By Fire〉就是那種令人聽得躁動的post-punk / goth歌曲，七分鐘電幻唯美幽悒epic之作〈Lotus Eater〉簡直是goth遇上deep house / electronica，〈More Than Life〉活像從前在80年代那些可以打入美國市場的英國gothic rock樂隊作品，深邃懾人而來的〈Ariel〉是闇黑淒美的goth ballad但又可以groovy起來(甚至此曲總令我聯想起The Sisters of Mercy的〈Marian〉)——單憑這幾首曲目，已告訴我The Horrors的2025年專輯《Night Life》一定錯不了吧。
毋庸置疑，《Night Life》是The Horrors的闇回歸線專輯。再聽一曲〈The Feeling is Gone〉，又大可瞞騙你這是英國電音天團Depeche Mode的新歌；〈Silent Sister〉沒錯是他們再industrial rock起來，但整體上感覺又不落俗套；〈When The Rhythm Breaks〉是來得fuzzy迷暈到不得了的electro-psychedelic-ballad；即使〈LA Runaway〉是流暢而uplifing得來仍富有靡爛的goth底蘊。
過去我曾說過The Horrors是那種「音樂收藏家」樂隊，即是樂隊成員有不錯的唱片收藏，可以手到擒來的拿出音樂參考。而成員Rhys Webb真的是一名黑膠唱片收藏家，他會在The Horrors的社交媒體帳戶介紹其唱片收藏。
(原文刊於《明報》副刊「星期日生活」)
來自印尼雅加達的psychedelic rock樂隊會是甚麼模樣？這是我首次見到Clever Moose這個名字時所誘發的好奇心。好奇心不會殺死隻貓，但可以促使大家認識到來自不同地方的音樂。那麼Clever Moose的印尼系迷幻搖滾又會是甚麼的一回事呢？他們的迷幻搖滾聲音並沒有多大印尼音樂根源，而是師承來自土耳其的Anatolian folk / Anatolian rock流派薰陶，也有點阿拉伯色彩，祭出他們具有異國風情的中東迷幻搖滾風格。
去年4月，Clever Moose發表了其首張專輯《Mediterranean Fuzz》。相隔剛好一年，「班門弄斧」Bandmennofool將會在4月13日把Clever Moose帶到香港，於The Aftermath舉行他們的Live in Hong Kong專場音樂會。
Clever Moose是Faiz Marie的音樂化身，當年他因為不滿其舊樂隊沒有甚麼進度，從而自立門戶啓動這個他的個人音樂企劃，” More Riff, Less Bullshit”是他創作音樂的座右銘；而Clever Moose也是一隊以他為首的樂隊，就像The Jimi Hendrix Experience般，所採取是三人迷幻搖滾樂隊制式，結他兼主唱Faiz Marie，再加上鼓手Edo Rusri Pradana和gen Z低音結他手Adam Raihan。
《Mediterranean Fuzz》專輯裡收錄了〈3rd Party Culprit Factory〉、〈Batavian Troops〉、〈The Hammer〉這幾首Clever Moose在2020至2022年間發行的先行單曲。Clever Moose的中東迷幻搖滾風曲目，有器樂作品、也有歌曲作品。
專輯先帶來序曲式psychedelic-space-rock器樂樂曲〈Greetings〉，時而以synth琴音飛上太空，時而由民族樂風著陸土地，為Clever Moose的迷幻祭典揭開序幕。
毋庸置疑，Clever Moose的迷幻搖滾樂每每來得那麼扣人心弦，通過巨大的鼓擊節拍、霸氣的riff、中東音樂曲調式的結他主奏，綻放出懾人的能量。〈The Hammer〉來得多麼的緊湊有力，聽得血脈僨張之餘又不失中東迷幻色彩；〈Nota Alaq Kalnajm〉是他們最groovy的一曲，配以Faiz Marie冷酷的主唱，其中東迷幻搖滾風也拓展出dance-punk與goth的層面；急疾的〈3rd Party Culprit Factory〉就像於公路上馳騁的迷幻車手。
班門弄斧Bandmennofool presents:
Clever Moose – Live in Hong Kong
日期：13th April 2025
地點：The Aftermath
時間：7:30pm (進場 Door Open)
早鳥票：$280 HKD
現場票：$350 HKD
鬼馬姜根
26 Mar 5:39 AM (20 days ago)
之前一晚，才看過蘇格蘭格拉斯哥post-rock樂團「魔怪」Mogwai的演出，經過他們神靈般的後搖滾聲音洗滌，腦海裡仍縈繞著其穿越感結他音牆餘韻。回到同一個表演場地，再看「姜根」Ginger Root那甚具視聽之娛的音樂會，是相當之反差的事。從「魔怪」到「姜根」，一連兩晚同在西九Freespace大盒看到兩場風格大相逕庭的專場音樂會，前者就是全程足以將觀眾震撼著而要屏息欣賞，而後者則看得大家眉飛色舞、臉帶微笑。截然不同的vibes，兩者我都相當之樂在其中。
去年初秋發表了新專輯《SHINBANGUMI》的Ginger Root，這是他新一輪March 2025 Tour。巡演來港前，他已走訪過深圳、杭州、上海、台北等城市，但對於他來說香港是別具意義的一站，因在台上他提及其grandma是來自香港。本名Cameron Lew的他，會以華語來說出其中文名「劉國明」，但只懂用廣東話講聲「你好！」，談笑風生的他又可以來幾句台山話。看Ginger Root的演出，幽默感是不可或缺的一部分，我會形容他是一名好「鬼馬」的音樂人。
縱使來自南加州的Ginger Root早在2017年已經出道，正式啓動這個由身兼唱作人、多元樂手、影片製作人、平面設計師的Cameron Lew領軍之音樂企畫，開始發表專輯(而且蠻多產) 。然而好相信大多數樂迷認識到Ginger Root，都是2020年代以降的事，2021年單曲〈Loretta〉毋庸置疑是其轉捩點，也見到他正式啓用「姜根」之漢字。一名ABC華裔美國樂手，深受日本昭和時代的流行文化影響，鍾情70、80年代的日本city-pop，而〈Loretta〉帶來了一個懷舊日系風的mv(附以日文字幕) ，歌曲跟著還灌錄了一個日本語version。從此奠定了Ginger Root的「哈日」方針，他大玩復古與東瀛元素的敘事式mv也愈拍愈具趣味。其實這是好犯規的，甚至我總覺得會有西方樂迷傻傻分不清的誤以為他真的是日本人來。
能夠在2023年3月復辦的《Clockenflap》音樂節看到Ginger Root的演出，是那屆陣容的其中一個驚喜。剛好相隔了兩個年頭，Ginger Root重返我城，舉行他的香港專場音樂會。
大抵那可以稱得上是跨媒體音樂會，Ginger Root的影片不時穿插於歌曲的表演之間。Ginger Root並非只管賣弄噱頭，Cameron本身亦是非常之富有實力的多才多藝樂手，鍵琴與結他演奏精湛而具活力，跟合作無間的低音結他手Dylan Hovis和鼓手Matt Carney構成一支三人樂隊，台上還有一名紅衣camera man負責拍攝live feed現場影片投放在屏幕上。通常見到攝影師不斷在台上游走，總覺得是很礙眼令人不耐煩，但大家又會視這位紅衣攝影師為表演者之一，喜見他與樂手的互動。
當晚也發生了一個小插曲，就是在演出期間忽然見到live feed一直拍攝著Dylan在維修放在舞台地上的低音結他，原來是他那支貝斯出了問題，跟著紅衣攝影師也放下攝影機幫手搶救，而Cameron就趁這段時間即興地跟台下樂迷來個快問快答環節，直至貝斯再響起。那時可有觀眾會懷疑這是否預設的表演呢？
當玩出一曲〈Loneliness〉時，見到日本retro-pop公主AMAIWANA化身的虛擬藝人Kimiko Takeguchi驚喜現身舞台合唱此曲，我也為之心花怒放。也喜歡Cameron道出許多年前，看到美韓混血女生Michelle Zauner領軍的美國indie-pop樂隊Japanese Breakfast一次暖場演出而影響到他對音樂生涯的願景，最終Ginger Root也成為了Japanese Breakfast巡演的暖場樂隊一起共演之一席話。
(原文刊於《明報》副刊「星期日生活」)
兩個星期前，我是懷著萬般翹首以待的心情來到亞洲國際博覽館，看挪威音樂精靈唱作女生AURORA的《What Happened to The Earth? 2025》巡演音樂會。 即使我已見慣大場面的音樂媒體工作者，但踏進場地時已有多少腎上腺素上升的感覺。畢竟一等便已經五個年頭有多，而且我是真的好喜歡AURORA，好喜歡她的2024年專輯《What Happened to The Heart?》——是我在去年聽得最滾瓜爛熟的其中一張專輯。
原本，AURORA是2019年11月《Clockenflap》音樂及藝術節的表演單位之一。那時我仍為一個傳媒集團旗下的音樂媒體頻道工作，(男)同事們不但滿心期待快將要看到AURORA的現場演出，更期待可以跟她有meet & greet的機會，拍個開心合照。可是那屆《Clockenflap》已進入如箭在弦的七天倒數階段，大會無奈地宣佈：「由於近日的情況變化，為接下來數週帶來許多未知因素，Clockenflap 2019將會取消。」。結果待到2025年2月，AURORA才終告得以踏足香港表演。即使那才不過是五年三個月之隔的事，然而一切已恍如隔世。
畢竟期間經歷過COVID大流行疫情，世界已經不一樣。更何況，AURORA在2022年發表的第三張專輯《The Gods We Can Touch》被視為重大分水嶺、象徵其音樂生涯之「新紀元」，而去年從「人們與大地相連」、「療癒大地」之題目出發的個人化兼心靈化專輯《What Happened to the Heart?》所呈現的巨大創作野心，她的音樂更昂然走到另一層次，見證到這位挪威音樂精靈已躋身女神級之列。比起在2019年，當下我更殷切盼望看到AURORA的現場演出。
說來這輪AURORA的亞洲巡演，就在訪日演出的前夕，她釋出跟日本女團ATARASHII GAKKO! 聯乘合作的英日雙語版的〈Some Type Of Skin〉，ATARASHII GAKKO! 也順理成章在AURORA的東京站音樂會客串共演此曲，就已叫我”wow!”咗出嚟。
看AURORA的《What Happened to The Earth? 2025》香港場音樂會，好有滿滿的幸福感覺。她的獻唱、她的形體舞蹈、樂隊的演奏、背後的影像，叫人看得欣賞心悅目，皆無懈可擊。
音樂會以播放〈Goddess of Dusk〉的影片揭開序幕，她就猶如黃昏女神降臨般現身舞台。在音樂會上，AURORA是屬於說話多多的歌手，甫出場唱過了兩首歌便停下來細說她本來可以在2019年來香港演出的事，我一向好怕那些「多嘢講」的主唱，因為會影響到音樂演出的flow，但對於AURORA，你又會給她說話時好sweet的真摯情感所觸動，因她仍有一夥赤子之心。她的伴奏樂隊，有兩位女和唱兼鍵琴手、一位結他手、一位鼓手，看似簡單的樂團組合但又不簡單，比如人人都可以是歌手，站出來圍繞著她唱出a cappella版的〈The River〉。
一如所料，我至愛的〈Starvation〉現場演出版是那麼精采絕倫、扣人心弦；到encore時玩〈Cure For Me〉見到AURORA跳出mv裡的舞步，已叫人為之心花怒放。
這個2月，也是AURORA的成名作〈Runaway〉面世10週年，這首她在11歲時所寫的歌，到16歲才公諸於世，到此曲在2015年出版成單曲時她才18歲。AURORA來港演出後，她亦釋出了〈Runaway〉的管弦樂伴奏版，以及紀錄片《Portrait Of A Song - Runaway》，片中她道出這首歌的心路歷程，重訪mv拍攝那個挪威山頭，還有粉絲拍片一人一故事分享此曲對他們的意義、向AURORA道謝，有個粉絲故事更令AURORA看到哭了出來。
(原文刊於《明報》副刊「星期日生活」)
當我第一次見到xiexie這隊日本東京獨立樂隊的名字時，就不禁聯想起風格光怪陸離的美國加州實驗流行樂團Xiu Xiu。Xiu Xiu的名字，是取名自陳沖執導的1998年電影《天浴Xiu Xiu: The Sent Down Girl》；而xiexie，則好簡單直接地源自華語的「謝謝」，也可想而之xiexie過去兩年先後到過台灣巡演，當樂隊自我介紹時就像向樂迷表示敬意，而當他們以華語說「謝謝」時又像呼喚樂隊的名字，台上台下都皆大歡喜。
「班門弄斧」Bandmennofool將會在3月26日把xiexie這支在近年備受注目的東京indie-pop / dream-pop四人帶到香港，於MOM Livehouse舉行他們的Live in Hong Kong專場音樂會。相信主辦單位到時也會教曉他們用廣東話講「多謝」吧。
毋庸置疑，xiexie是一隊能夠師承精良英美indie-pop音樂薰陶而來的日本樂隊。他們既「夢幻」(dream-pop)亦「迷幻」(psychedelic-pop)，祭出是具有日系色彩的日語歌曲。而重點是，xiexie筆下全是溫婉輕柔的曲子，加上女主唱兼結他手Meari很chill的溫文爾雅演繹，xiexie的歌曲總是有一種如沐春風的閒適感覺。
當xiexie在2021年發表首張同名EP《XIEXIE》時，他們仍較平面的indie-pop樂隊，歌曲來得清新可喜。經過〈13〉、〈what you see〉等單曲後，到2022年的《33》EP，樂隊已拓展出shoegaze / dream-pop的層次，味道開始複雜起來但動聽依然。那麼按照xiexie這個進化論，來到去年6月面世的首張專輯《wellwell》，聽到正是xiexie的音樂完全體。
在《wellwell》裡聽到的xiexie，是一隊psychedelic dream-pop樂隊，先行單曲〈please me〉已展示出幸田大和的一手迷幻結他及復古的psychedelic rock曲風。主打歌〈UMA〉是一首乘著backbeat節拍而來的psychedelic dream-pop歌曲，Meari唱出淡淡然之美，祭出夢幻的斑斕色彩感，而又仿如回到90年代初葉獨立音樂的好時光，感覺仍是如斯的如沐春風。
〈Nile〉是結他手幸田大和初次啼聲擔任主唱(或是跟Meari合唱) 的曲目，貫穿著口哨吹奏，又是chill到一個點。〈City〉就絕對是回到60年代的psychedelic rock的根源，有著blues rock風結他主奏那種。器樂曲目〈眠民〉夢幻迷幻得來又賦予一份電影感。〈my time〉迷幻之餘又換上folk rock的底蘊，散落著零碎的琴音。xiexie跟台灣獨立音樂圈的密切關係，又見於一曲〈kiwi〉找來台灣樂團「我是機車少女」i'mdifficult靈魂人物凌元耕操刀鍵琴，讓這首psychedelic-pop歌曲多了一份氛圍感與復古色彩。
班門弄斧Bandmennofool presents:
xiexie – Live in Hong Kong
日期 : 26 Mar 2025
時間 : 730pm door open
地點 : MOM Livehouse
早鳥票 : $380 hkd
當日票 : $450 hkd
去年，坊間流傳著「聽團的終點是韓團」這個說法。那是出自台灣空氣腦唱片Airhead Records 謝老闆在Threads上一席玩笑話，而這番話得以觸發甚多迴響、受到認同，很好明顯是衝著一眾聽開獨立樂隊/搖滾樂隊的文青樂迷，近年間都忽然入坑愛上現已改名為NJZ 的K-pop女團NewJeans、成為Bunnies(其粉絲專稱)的現象而來。
誠然，我是到近年才「好認真」地去聽K-pop，多了一點考究，會去細閱其song credit、看看團中成員有沒有參與創作，甚至用上甚麼音樂採樣(sample)。我對K-pop的興趣，那不外乎是因為作品的國際級精良電音舞曲製作，抑或散發出的青春氣息——後者也是源自我對那種好有青春感覺的indie-pop之喜好。
「聽團的終點是韓團」放在我身上其實並不正確，畢竟我老早已不是所指的「聽團仔」年紀。而且聽歌還歌，但我不會去追星，我有自知知明，試想像我這位大叔出現於一場K-pop音樂會的眾觀群，可以有幾破壞現場畫面。所以就算得悉NJZ要來港在《ComplexCon》演出兼且也是改名後之首演咁大件事，我都沒有搶飛的衝動。況且，對於我來說聽音樂並沒有甚麼終點這回事。
臨老入坑聽K-pop，網絡上的演算法也會推介K-pop給我。比如登上我的YouTube主頁，便不時會彈出一些韓國音樂單位的影片，不一定是女團，也有唱作歌手或獨立樂隊的。
這個星期一早上，我在YouTube主頁上遇見KiiiKiii 키키的〈I DO ME〉mv。先被KiiiKiii這個有趣的名字以及影片預覽圖上那位帶點冷酷眼神的少女所吸引，曾推敲過那可會是一支女主唱的韓國indie rock樂隊來，抱著「試新嘢」的心態點擊進去，實情那是K-pop女團。〈I DO ME〉是首調子清新可喜的輕盈電音流行曲，感覺不落俗套，加上歌曲在紐西蘭南島取景拍攝的mv盡是心曠神怡的大自然景色，KiiiKiii五位女生又多麼的青春無敵，這首〈I DO ME〉給我的體驗是如斯賞心悅目、逍遙寫意。
KiiiKiii為Starship Entertainment旗下的新晉女團，〈I DO ME〉是她們在無預警下釋出的首支單曲，目前歌曲只有YouTube發佈而仍未在串流音樂平台上架，其首張四曲EP《UNCUT GEM》已準備就緒在3月下旬面世。
想對KiiiKiii認識多一點，就搜尋了她們的Instagram看看，那才是有趣之處。首先KiiiKiii的IG是無頭像的，而令人懷疑是不是去錯戶口——實情是她們用上IG無頭像icon但加上了一只甲蟲；而所有post都是耐人尋味的影片及圖片，這五位女少並沒有現身，只有呈現KiiiKiii個團名，當〈I DO ME〉釋出時在IG上仍未見到她們的芳蹤。單看那堆圖片影片，你會以為這是甚麼獨立樂隊來——最初我被〈I DO ME〉的mv預覽圖所吸睛，也因為成員Haum之神情令我聯想起英國傳奇性獨立廠牌Creation Records在80、90年代間一系列合輯的少女肖像唱片封面。直到〈I DO ME〉面世的幾個小時後，KiiiKiii的IG才發佈了第一條五位女孩子首次露面的影片。還有她們隨之啟動的網站kiiikiii.kr，其首頁也相當之莫名其妙。
我旋即在社交媒體上分享我對KiiiKiii的開心發現，包括在Threads上。跟著就在Threads見到許多有關KiiiKiii的中文串文，粉絲已在分析她們五位女生的個性，好厲害。
有說KiiiKiii是抄襲了NewJeans的市場策略，而無可否認她們取得的回響已達到國際的層面，也令到我在無意間見證到一支K-pop女團出道。
(原文刊於《明報》副刊「星期日生活」)
對來自日本福岡的四人樂隊aldo van eyck發生興趣，固然是得悉他們的音樂能夠如何大剌剌地將garage rock、post-punk、jazz、blues、no wave、noise rock、math rock共冶一爐而來的曲風，同時還有樂團的名字，正是取自結構主義建築運動最具影響力領導人物之一的荷蘭建築師Aldo van Eyck (1918 – 1999) 。aldo van eyck這支樂隊的音樂，也在呈現著企圖探索超越音樂流派本身規則的相互關係結構。
踏入2025年，aldo van eyck在上月發表了樂隊的全新單曲〈Dahlia〉/〈M〉，而「班門弄斧」Bandmennofool亦將會在2月27日把aldo van eyck帶到香港，於MOM Livehouse舉行他們的Live in Hong
Kong專場音樂會，也是aldo van eyck首次衝出日本的第一個海外演出。
成軍於2021年的aldo van eyck，在2023年9至10月的短短一個多月間，相繼釋出樂隊的第一、二張專輯《Nada》和《dead shot dan》，感覺已有點小癲。前者可視作他們早期作品總結的迷你專輯，而後者則是一張20曲概念專輯而足以見到樂隊的創造力。aldo van eyck的聲音，會叫人聯想到no wave年代的James Chance and the Contortions、DNA那些帶有爵士樂薰陶的音樂單位，抑或近代如Squid、Black Midi的所謂post-punk resurgence樂隊，同樣是風格光怪陸離，相比起上述的名字，aldo van eyck又可以有著藍調的根源。總之他們的音樂是能夠來得難以估計。
單曲〈Dahlia〉/〈M〉是aldo van eyck一年多來的新作。〈Dahlia〉是他們來得較旋律化的作品，初段你會以為這是一首清爽的日系indie rock歌曲，配以流麗的色士風伴奏，但色士風在獨奏時又可以自由奔放起來，同時也展現到math rock之架構，產生微妙的演化。至於〈M〉則有如其單曲b-side歌，全然是no wave式noise-jazz-punk狀態。
班門弄斧Bandmennofool presents:
aldo van eyck - Live in Hong Kong
日期：7th Feb 2025
地點：MOM Livehouse
時間：730pm Door Open
早鳥票：$400 hkd
現場票：$550 hkd
售票：www.art-mate.net/en/doc/81601
今個大年初二，來自英國劍橋的獨立搖滾Black Country, New Road(簡稱BC,NR)釋出三年來的全新單曲〈Besties〉為我們開年。大家對BC,NR這首新作為之拭目以待，畢竟這是自2022年春天在樂隊第二張專輯《Ants from Up There》面世前夕主唱兼結他手Isaac Wood突如其來宣佈因精神健康問題而離隊後，BC,NR的首支全新單曲。甚至樂隊也在早前換上了新的logo，意味著這是BC,NR的洗心革面重新開始。
BC,NR先前在社交平台為〈Besties〉發布的預告，聽到是猶如巴洛克風的短短琴音。結果〈Besties〉是首baroque pop(巴洛克流行樂)風格的作品，意外地為歌曲獻唱的，是首次擔任主唱的小提琴手Georgia Ellery，無論是歌曲風格抑或其mv，皆好有青春真摯氣息，聽到是煥然一新感覺的BC,NR，全然擺脫了Isaac Wood時代的枷鎖與post-punk味道，正式進入BC,NR 2.0時代。
當Isaac Wood在《Ants from Up There》出版前夕宣佈退出拂袖而去，毋庸置疑是令到BC,NR的計劃出了岔子，陣腳大亂，原定的北美巡演也要停罷。當下由七人樂隊改組成六人樂隊的BC,NR，並非要由誰去取代Isaac Wood的崗位來演繹他的歌，而是寫過一批新歌作演出，不再玩過去兩張專輯的曲目，由低音結他手Tyler Hyde(電音天團Underworld成員Karl Hyde的女兒)、色士風手Lewis Evans和鍵琴手May Kershaw分擔歌手的角色，變成有三位主唱的樂隊，隨即在2022年夏天重新上路舉行巡演，我們亦在2023年3月初復辦的香港國際性大型音樂節《Clockenflap》看到這隊改組後的BC,NR，同月他們出版現場演出專輯《Live at Bush Hall》以作為這個階段的紀錄。
《Live at Bush Hall》所紀錄到是BC,NR的過度期，處於「過冷河」狀況，畢竟那大抵是個臨時應變的計劃來。到BC,NR在2025年全面歸位，蓄勢待發在4月發行樂隊的第三張專輯《Forever Howlong》，才是他們經過沉澱後所處心積慮而來，今次的歌曲全由樂隊的三位女成員Tyler Hyde、Georgia Ellery和May Kershaw主唱，實行去蕪存菁地呈現出「女聲時代」的Black Country, New Road。
樂隊成員發生人事變動，離離合合，總是十常八九。之於以歌曲為本的樂隊來說，當要切換的主音歌手時，影響也較大。尤其是不少樂隊的歌手，已不獨是一位主唱，而且也是主要的歌曲創作人frontman。所以樂隊裡的唱作人frontman告辭，並不是找來一位新歌手接手那麼簡單；而且換上新歌手兼歌曲創作人，聲音也會出現若干的變化。有些樂隊會選擇刻意模仿回原有成員時的風格，反之有些樂隊則視為新階段的開始，要叫大家聽出截然不同的感覺。BC,NR正是屬於後者。
新不如舊是否一個定律？那又不盡然。換上新歌手/歌曲創作人而發展又能更上一層樓的樂隊，經典例子有英國prog rock(前衛搖滾)樂隊Genesis，隨著靈魂人物Peter Gabriel離隊作個人發展，主唱崗位由鼓手Phil Collins站出來接替；還有英國new wave(新浪潮)樂隊Ultravox，主將John Foxx離隊單飛以走向更電子的音樂方向，樂隊找到來自Rich Kids的主唱兼結他手Midge Ure加入。Genesis和Ultravox的前後兩個時期皆各有代表性，音樂風格上也形成一個轉捩點，無可否認改組之後令樂隊有更成功的發展。
如今BC,NR能否超越Isaac Wood時期的成就，那且看兩個月後面世的《Forever Howlong》專輯吧。
(原文刊於《明報》副刊「星期日生活」)
來自曼谷的獨立樂隊JPBS在兩年前的春天，發表了驚為天人的首張專輯《Waiting Room》，毋庸置疑見證到他們已躋身成為當今最鋒芒畢露的泰國頂班instrumental rock / post-rock /
experimental rock樂隊。畢竟《Waiting Room》是一張極具創作野心的概念專輯——也視之為其藝術企劃，一行六人的他們在其器樂搖滾世界裡得以折衷性地貫通experimental rock、post-rock、noise rock、psychedelia、krautrock、metal、screamo、electronica的多重音樂宇宙，以及所呈現的藝術性層次構思，絕對是相當之厲害的epic級創作。
名字源自JPBS主將Jay的泰國華僑(潮州移民後代)嫲嫲得悉孫兒要組樂隊時，冷嘲熱諷他一聲「吃飽沒事」(Jia Pa Bor Sue)之發音。事實證明，JPBS並非吃飽沒事鬧著玩的樂團。反而經過多年來一次又一次的變革，他們已開拓出超卓的新境界，超越了我們對東南亞地區的instrumental rock / post-rock樂隊的想像。
「班門弄斧」Bandmennofool把JPBS的《WAITING ROOM Tour 2025》帶到香港，在2月18號於MOM Livehouse演出一場，而為他們擔任暖場的是本地最具代表性的experimental rock樂隊「假日貞操」Virgin Vacation，絕對匹配的組合(兩隊樂隊才在2月6號於曼谷共演過)。
在JPBS訪港舉行專場前夕，我跟樂隊做了一個簡訪。首先就要JPBS來說說instrumental rock / post-rock
scene在泰國獨立音樂圈的狀況吧。
「快速回答是『隱藏』(hidden)，但在過去 10 年裡那正在有趣地擴張。我們有許多年輕一代正在創作新作品——新樂團正在崛起，老樂團仍然活躍，還有新的觀眾來到這個音樂圈子。而城內出現了許多live house，他們都歡迎instrumental rock / post-rock的演出，這讓我們有更合適的場地作表演。而且我認為隱藏並不壞——對我們來說，這種音樂是等待聽眾在音樂探索之旅中的另類選擇。」
成軍已經13年，JPBS早在2012年以年青post-rock樂隊的姿態發行首張單曲〈Rainy Days〉，當時他們仍是中學生，音樂上也不難聽到日本post-rock天團Mono的影子——大抵是他們的模仿階段。然後樂隊便沉寂下來，經過一段漫長的空檔期後，大學時代的他們在2017年回歸釋出其第二、三張單曲〈Moondog〉和〈4388〉，繼而再經歷另一段空檔期；就在疫情期間來個重整旗鼓，直到樂隊出道10週年——即是直到2022年才再正式歸位，並在2023年出版引頸以待而來的首張專輯《Waiting Room》。
JPBS的發展過程之所以斷斷續續，除了由於初出道時他們仍是學生，要專注於學業而分身不暇於樂隊的發展。而且更因為他們不甘墨守成規地去創作與演出，反之他們的創作過程是經過了多番反思、洗心革面，作出處心積慮的藝術探索。
「老實說，讀大學期間創作音樂非常困難(哈哈)，特別是在設計學院，我們期間有很多project要做。另一個答案是，我們花時間探索我們的音樂之旅，我們覺得有點被post-rock這個標籤所困擾，需要時間進行重新定義，就像我們在《Waiting Room》中所做的那樣，混合了很多東西，當我們模糊定義的界限時，感覺更自由，更有趣。」
《Waiting Room》絕對是野心勃勃的器樂概念專輯，專輯設定了一個喚作Limbo的遺落世界，九首曲目劃分成黑色、白色與灰色三個部分，交織出對人性與靈魂的深度哲學探索。製作這張專輯時，JPBS固然會遇上富有挑戰性的事情。
「實際上，要一起演奏是最困難和最具挑戰性的部分。因為《Waiting Room》專輯是一個超越生命的概念化場景，是一個神話，每個人對這個概念都有不同的看法，所以如何以近乎相同的方向一起表演是非常有挑戰性的，而最具挑戰性的是把觀眾跟我們一起帶到了另一個地方。」
更重要的是，JPBS在《Waiting Room》裡所包含的音樂元素能處於高度折衷性、變化多端的狀態——氣勢磅礡而來的開場曲〈Overture / Taltos + Morsai〉築起巨大
noise rock / drone metal音牆已叫人聽得血脈僨張，〈KDG〉是來得爽勁而暴烈的post-rock曲目，〈Green Screen〉是輸出高壓而風馳電掣能量的electronic rock，主題曲〈Waiting Room〉從深潛氛圍化ambient rock推進成為扣人心弦的後搖滾組態，由泰語演說帶出的〈Chowsex〉蟄伏著迷魂dub樂肌理然後突然切入相當groovy舞池化的deep techno節奏，〈Butterfly〉把IDM電音與noise rock及screamo人聲共冶一爐，uplifting的〈Surya Namaskar〉介乎psychedelia與krautrock之間，〈Malai〉是首美不勝收的post-rock曲目——那簡直是一個音樂大熔爐。所以，也想他們談談JPBS背後的音樂薰陶。
「在那些不活躍的年頭期間，是一段漫長的旅程，我們到過很多音樂場所。但影響最大是Pink Floyd的現場演出影片《Live in Pompeii》，讓我大開眼界；還有electronic / club music，那是如何令到我們想做更具動感的音樂；還有Jacques Greene、Swans、SUUNS 和 Radiohead，他們如何進行實驗、營造氛圍以及透過音樂建構世界，同樣令人驚嘆。」
在《Waiting Room》專輯之後，JPBS已開始投入新的創作。
「我們現在正在做一些新的東西，這是有關機器/人類/自然以及時間。我想那會給人體驗更多electronics / synthesizer的聲音，新鮮又標誌性但仍然是一種極端音樂的感官。」
班門弄斧Bandmennofool presents:
JPBS - Waiting
Room Tour 2025 - Live in Hong Kong (with Virgin Vacation)
日期：18th Feb 2025
時間：7:30pm Door Open
地點：MOM Livehouse
早鳥票：$520 hkd
當日票：$650 hkd
售票：www.art-mate.net/doc/81221
【遲來的2024歌單】話說自十年前開始，我已在Spotify做我的「年度歌單」，以分享每年的音樂總結，也為自己的音樂口味來個紀錄。但我愈做愈貪心，後來嘅playlist已搞到超過十小時嘅長度，而且編輯排flow嘅過程亦好艱巨。
所以在2024年我即使早已開了個「年度歌單」，但到下半年時決定另行每月總結一個新歌歌單出來。
好了，到2024年年終時我又想來個「年度歌單」，但想到要從舊有的歌單上加歌再拉上拉落編輯排flow，已經好氣餒。於是在大除夕當天，我決定重新開一個「2024年度歌單」，實行去蕪存菁地由零開始選輯過，從而來得更essential，個flow砌得更好。
雖然砌下砌下，個playlist已有超過八個鐘之長，大家可以分段欣賞。
我的2024年十六大專輯
31 Dec 2024 12:52 AM (3 months ago)
每逢臨近年底，總會有朋友問我：「你今年選唔選十大(專輯) ？」，而我通常的回答：「隨緣吧，到時有興緻就會選呢。」我的心態就是毋須煞費思量，有時專輯名單就會順其自然地跑出來。
好像今年因為之前我的《mcb30: YCC DJ tour》，其中一場的主題是mcb in 2024，挑選2024年作品來播，而那是一個vinyl set，播的都是專輯來，所以已有了我的2024年度專輯名單的雛形。
於是我把年度專輯的範圍收窄一下，就是從我擁有黑膠唱片的去選。我不選十大，而是選了十六大出來。為甚麼要十六張？純粹因為可以整齊地砌到個正方形出來。排名先後都有分到喜愛程度。
我的2024年十六大專輯：
1. Geordie Greep "The New Sound"
2. Kamasi Washington "Fearless Movement"
3. Fontaines D.C. "Romance"
4. The Cure "Songs of a Lost World"
5. AURORA "What Happened to The Heart?"
6. Beth Gibbons "Lives Outgrown"
7. Hiatus Kaiyote "Love Heart Cheat Code"
8. beabadoobee "This is How Tomorrow Moves"
9. Kim Gordon "The Collective"
10. IDLES "TANGK"
11. Godspeed You! Black Emperor "No Title As Of 13 February 2024 28,340 Dead"
12. Jamie xx "In Waves"
13. HYUKOH ＆ SUNSET ROLLERCOASTER “AAA”
14. The Smile "Cut Outs"
15. Bubble Tea and Cigarettes “We should've killed each other”
16. Erika de Casier "Still"
今年夏天，從「班門弄斧」Bandmennofool成員手上接過泰國曼谷獨立樂隊LEPYUTIN才面世不久的首張專輯《Deviation from the Norm》之CD。就說我是冥頑不靈吧，我仍是那種見到實體唱片，便會格外吸引我去細聽其音樂的樂迷。《Deviation from the Norm》的唱片封面，蓋著是一名看似大師級視覺藝術家的洋人老頭，怎看也不像泰國樂隊的唱片，正如專輯的名字「偏離常規」，那反而更有一種耐人尋味的感覺。結果，這張LEPYUTIN的《Deviation from the Norm》專輯那確實讓我聽得不亦樂乎。
半年後，Bandmennofool將會在2025年1月16號把LEPYUTIN帶到香港，於MOM Livehouse舉行專場音樂會。
LEPYUTIN的音樂風格，以樂隊的官方說法，音樂流派為psychedelic / post jazz rock。簡言之，LEPYUTIN是一支當代新迷幻搖滾(neo-psychedelia)樂隊，然而一行六人的他們，其聲音得包含著psychedelic rock、jazz、prog rock、post-punk的血脈而來。陣中有三位結他手(同時也是主唱的Genius和Zee以及Oat)，亦有一位色士風手(Dom)，後者也是樂隊的爵士樂風的泉源，在某程度上也叫我聯想到60年代末至70年代初英國Canterbury scene的聲音，畢竟從前那群英倫樂手也是把psychedelia、prog rock與jazz fusion共冶一爐而來。又在某程度上，LEPYUTIN跟我喜愛的英國樂隊Black Midi有多少殊途同歸。
《Deviation from the Norm》正是LEPYUTIN這兩年間的音樂總結。
在專輯迷幻序曲〈Down the Drian〉之後，緊接去年已釋出的〈Lost In Translation〉即使只是三分多鐘的歌，但已能彰顯出他們那種無可匹敵psychedelic-prog-jazz-rock，蕩氣迴腸、張力十足。
LEPYUTIN另一主打作品〈Bora Bora〉是由幽幽色士風帶出這首 psychedelic-jazz-soft-rock六分鐘曲目，賦予秋色的迷幻歌曲，其後也盡顯Dom優雅的色士風獨奏。
另一六分鐘曲目〈Hot Box〉，介乎post-punk與jazz-punk之間的曲風作開始，然後來到下半部分卻蛻變成groovy的psychedelic rock，一如歌曲所唱”Keep on grooving with the vibe like this”，再築起巨大的迷幻搖滾音牆，甚具起承轉合，鋪排變化多端。
〈Habitual Ceremony〉是其高質的psychedelic rock歌曲，可叫人聯想到Kula Shaker那種；接近六分鐘的〈The Second Son〉祭出他們蕩氣迴腸的迷幻prog rock編制；prog rock / jazz rock器樂曲目〈Thicker Than...〉可一展Dom色士風主奏；專輯結尾歌〈Be Conscious〉，就是我所說能聽出 Black Midi感覺的作品。
承接《Deviation from the Norm》後，LEPYUTIN再推出現場演出專輯《Sound of Deviation From The Norm (Live At Sound Of Deviation From The Norm)》，以示他們是一支甚出色的live band，大家也可作為看樂隊音樂會前的預習。
班門弄斧Bandmennofool presents:
LEPYUTIN - Live in Hong Kong 2025
日期 : 2025 年 1 月 16 日
時間 : 730pm 開放入場
地點 : MOM Livehouse
早鳥票 : $420 hkd
當日票 : $550 hkd
今日，是《mcb音樂殖民地雙週刊》創刊號出版30週年。第一期《mcb》就在1994年10月21號面世，港九新界書報攤及指定唱片店有售。當時我年僅22歲，我的人生自此踏上一條不歸路。在創刊號裡我所寫的最後一篇稿(即寫完了Suede三大頁封面專題之後所寫的)，就是一則「編者的話」(標題喚作「前言」) ，正記載了22歲的我所想。
作為一份自資出版、甚麼都要自食其力落手落腳去做的雙週刊雜誌，從此我亦展開了每兩個禮拜為一個週期的生活。那時我不知道《mcb》能夠出版多久，結果一做便10年(1994 – 2004) ，我這樣每兩個禮拜為一個週期的生活便足足維持了10個年頭，從22歲走到32歲，渡過了無數個通宵達旦的趕稿晚上。如今已52歲的我最懷念，是完成了每期《mcb》的工作之後，順利把稿件菲林片送到印刷廠，那種如釋重負的心情實在美好得沒話說。
出版第一期《mcb》的時候，我仍有唱片公司的工作在身，到製作第二期時我已經裸辭，因為我知道自己已分身不暇。早年《mcb》只是住家式雜誌社，所以雜誌上只有刊登fax號碼及郵政信箱作為通訊形式。起初尚未有電腦，公司最貴重的財產，就是一台影印機。那時的《mcb》，誠言是好小本經營的「手作仔」音樂雜誌，成件事都好indie。
今年2月，先是我的首部樂評作品集「紅書」《音樂殖民地》面世30週年，到8月就是我第二部樂評作品集「藍書」《音樂殖民地2》的30週年，然後則是《mcb音樂殖民地雙週刊》創刊30週年，總之就是一連的30週年(況且一星期後又會是《mcb》休刊20週年)。也是何解在今年年初時，我已開始構思到10月要帶來紀念活動。然而經過20週年的2014年、25週年的2019年，今年的我的確有點心理陰影，不敢輕舉妄動。結果在2024年，我自己發生了沒有預料到的狀況，之前曾計劃過的30週年項目，恕我如今沒有能力做到。
從不覺得《mcb》有甚麼重要成就，只是跟我們在這10年間一起走過的讀者朋友們，留下了一些集體回憶。10年一晃眼，《mcb》才不過是如微塵般飄過。
《mcb》30週年，也許稍後會嘗試做一些小型活動。也許，甚麼也沒有。
J Church “Nostalgic for Nothing” (1995)
從前有些唱片是一時「貪過癮」之下購來，例如美國三藩市punk rock樂隊J Church在1995年出版的單曲精選專輯《Nostalgic for Nothing》，也是我唯一擁有他們的唱片。之前我已知道J Church是一支地下punk rock / pop punk 樂團，誠然起初對他們的興趣並不大，這樣的punk團在美國可謂多的是，但為何會購買這張《Nostalgic for Nothing》呢？那就是因為個唱片封面。
封面上是湯寶如的肖像，還無厘頭地配上「為了靚靚」四隻中文字——取自夏金成自資出版的經典卡式帶專輯《為了靚靚》及其同名歌曲。當年我是在旺角Monitor Records見到此實體CD，先發出了一個會心微笑，然後便把它買下來，還在《mcb》寫了一則碟評。
點解會用湯寶如做唱片封面？也許是J Church覺得湯記佢幾靚女吧，照片當然是沒有受權，來歷不明(說不定從當地唐人街的華文雜誌得來)，「為了靚靚」四個字也疑似是印在原本的印刷品上 。當然，設計artwork「偷圖」，也是地下punk樂文化的常態。
當年聽《Nostalgic for Nothing》的驚喜，是收錄了多首J Church作為單曲b-side的改編歌，包括重玩Heavenly、Chris Knox、Poi Dog Pounding、The Mob、Nick Lowe、Duran Duran及Morrissey的作品。而CD內又另附J Church在Broken Rekids廠牌旗下的唱片目錄，影印cut出來的紙仔，真係好indie。
話說在較早前，先是在8月27號公布Oasis歷史性地復合，Liam Gallagher與Noel Gallagher兄弟終告破冰讓，會在來年舉行盛大的《Oasis live ‘25》巡演，已成為一時佳話，兩日後又是其1994年首張專輯《Definitely Maybe》面世30週年。一下子，就給他們一石激起千層浪，Oasis這個名字旋即成為全球熱話、網絡流量密碼，勾起大家對Oasis的回憶。那幾天在社交媒體上，猶如雨後春筍地看到樂迷分享跟Oasis的淵源與情意結，來個一人一Oasis故事，憶述Britpop黃金年代的好時光，回味從前如何登上Britpop列車。
就我在社交媒體所看過分享對Oasis回憶的華文文章，似乎看不到有人談及其伯樂Creation Records。畢竟我相信之於大部分樂迷邂逅到Oasis，已是他們走紅與成為Britpop頂班大團後的事，大家所買到的Oasis國際版唱片都見不到Creation的名字及商標——畢竟在Oasis出道的兩年前(1992年)，Creation 已將公司的一半售股份給主流唱片廠牌Sony Music。隨後Creation也在1999年告一段落、完成了其歷史性任務，過不到千禧年。
然而在我心目中，Oasis舊日的故事跟Creation Records這所由來自蘇格蘭格拉斯哥的Alan McGee於倫敦成立的英國傳奇性獨立音樂廠牌，是有著不可或缺的關係。
那麼我是幾時開始聽Oasis？我是1994年看著Oasis出道、由他們的首張單曲〈Supersonic〉開始聽的那一代獨立音樂粉絲。作為每星期拜讀兩大英國音樂週報《Melody Maker》和《NME》的樂迷(那時是要急不及待地現兜兜去購買空運到港的紙媒雜誌才可緊貼外國音樂資訊)，都見證到Oasis這支來自曼徹斯特的生力軍樂團如何備受大力吹捧，甫出道已經也文也文。而讓我對Oasis發生興趣的主因，正正是基於他們為Creation旗下的新樂隊。
那些年，我們都會「追indie label聽」，對於某幾家公認為風格別樹一幟、被視為信心保證的獨立名廠，他們出版的音樂、他們新簽回來的樂隊，都幾乎會照單全收，有一種深信「某某廠牌出品必屬佳品」的心態。
而Creation是其中一家我所追聽的獨立廠牌，買他們的唱片還要買英版編號為CRE開頭方為之正宗。從80年代至90年代，Creation是英國最為舉足輕重的獨立廠牌之一，對英倫indie-pop、indie rock以至indie-dance流派之發展有著領導性的影響力。也慶幸見證到Creation在1991年如何走上登峰造極狀態，當年在短短三個月間出版了Slowdive的《Just for a Day》、Primal Scream的《Screamadelica》、My Bloody Valentine的《Loveless》、Teenage Fanclub的《Bandwagonesque》這四張劃時代專輯。
從前Creation叫獨立音樂愛好者為之津津樂道，還有廠牌的一眾創辦人與高層，都是樂手、都是玩樂團的。
公司主腦Alan McGee有他領軍的indie-pop名團Biff Bang Pow! (公司名字是來自60年代英國psychedelic rock / garage rock樂隊The Creation、而Biff Bang Pow! 則取名自The Creation的1966年同名歌曲) ，而公司的另外兩位創辦人Dick Green和Joe Foster(又名Slaughter Joe) 不但同是Biff Bang Pow! 的樂隊成員，後者亦是來自post-punk / indie rock樂隊Television Personalities的一員。
還有Creation的行政人員Ed Ball，他跟Joe Foster同是來自Television Personalities，而他亦有其領軍的樂隊'O' Level、Teenage Filmstars以及由post-punk而演進成indie-dance風格的The Times，又有他的acid house電音企劃Love Corporation、他跟Dick Green的ambient / post-rock組合Sand，而他更以Ed Ball的名義出版過多張個人專輯。
這班Creation的大佬玩音樂，並非純屬一時技癢或玩票性質的，反而在獨立廠旗高層的身分以外，他們同時也是音樂藝人。Alan McGee的Biff Bang Pow!，早年在Creation旗下乃能夠得以跟Primal Scream、Felt、The Weather Prophets、The Jasmine Minks等代表性樂隊分庭抗禮，他們共出版過六張專輯，其acoustic-based的1991年最後專輯《Me》，是我們心目中的慘白indie-pop經典；而Ed Ball更是非常之多產的樂手，The Times、Teenage Filmstars、 Love Corporation、Sand以及以唱作歌手作個人發展的他(其1995年專輯《If a Man Ever Loved a Woman》同是慘歌經典)，在Creation旗下發行過的專輯可謂不計其數。
叫Creation追隨者另一津津樂道的，還有他們的出品都喜愛採用少女圖片作唱片封面，常見於Creation多年來的一系列合輯，以及Biff Bang Pow! 的唱片。很indie-pop的青春純真美學。那些年，我們一起追聽Creation Records的時代，都是快樂的回憶。
泰國獨立唱作女生mindfreakkk在兩個月前出版了她的首張專輯《Museum of My Mess》，可視為她自2021年出道至今的總結、她的作品集。專輯12首曲目當中有9首曾作單曲發行，碟如其名這是她過去幾年間的心路歷程博物館。隨之，mindfreakkk將會以四人樂隊形式在9月20號於Soho House舉行她的香港專場音樂會，把其博物館典藏的故事移師到香港展出。
mindfreakkk是近年其中一位最叫我深刻的泰國女唱作人，除了本名Ghasira Pornnoppadol的她所帶來的歌曲都是如斯心思細膩(每首歌都在YouTube上附有liner notes注釋解說)，還有她臉上常掛著親切可人的甜美笑容，也令人對她留下甚討喜的印象，好有一種猶如鄰家女孩的感覺。然而mindfreakkk並不是甚麼小清新歌手來，她很多歌曲都是在探討人生哲理，有著她的懊惱迷惑心情，也是何解她要喚作mindfreakkk——大家可簡稱她做mind吧。
認識mindfreakkk，也要知道她背後有一位功不可沒的音樂拍檔Tanskul Suwannakudt：她的監製、編曲人與歌曲共同創作人。
回到2021年，mindfreakkk發行她的首支單曲〈Have You Ever〉，一首以亮麗synth聲主導的happy sad流行曲，大家都認定她所樹立起的日系city-pop風格。然而mindfreakkk的歌路並非單向發展，四個月後她再為〈Have You Ever〉帶來了一個jazz version(期間她已多推出兩首單曲)，把歌曲詮釋成哀愁的jazz ballad，而重點是原來mindfreakkk也可以高雅爵士得起。
如果要形容mindfreakkk的音樂路線，我會把她納入為sophisti-pop流派。沒錯sophisti-pop這個音樂流派只是自上世紀80年代，但我覺得不少當今的文青口味音樂風格很適合套用上這個音樂標籤。
看看mindfreakkk出道那年(2021年) 所發表的另外兩首單曲：道出親人要飛到遙遠行星而產生失落感之思念故事的憂傷synth-pop作品〈Pluto Bay〉(有用上vocoder人聲和唱) ，抑或〈Days Are Nights〉延續了〈Have You Ever〉的日系city-pop風格但來更輕快與更具靡爛都市氣息，都是屬於synth-based的曲風。
到了2022年，說要將有毒的人從你生活中剔除以保持心理健康的〈Chaos Calls〉來得復古華麗，有著爵士流行樂之底蘊，那壓根兒是sophisti-pop來；而featuring Tanskul的〈Navy Blue〉，則是acoustic-folk / indie-folk ballad泰文英文合唱歌。2023年的〈Once Upon The End〉是首夏日氛圍的世界末日歌曲，很chill地問大家想要和誰一起享受最後的時光；〈Silent〉更是傷春悲秋與富有戲劇性的jazz ballad。大家都聽得到mindfreakkk在這幾年間的音樂演化，愈來愈成熟sophisti-pop。
再聽她2024年的新曲，〈What (I Wish) He Said〉卻又可以從upbeat活潑而夢幻的曲風來回到好青春的年代愛情予人的清新浪漫感覺。主題曲〈Museum of My Mess〉 描寫對自己感到失望、處於低谷時的混亂心情，內斂而有著淡淡然情感，很chill的歌，尾段則喚來80年代soft rock結他獨奏與澎湃鼓擊。
而專輯的開場曲〈Bones〉，夢幻氛圍帶出美麗的synth主導chamber-pop，講述對死後感受的想像，我們的骨頭、靈魂和生命都沒有了，我們已一無所有，人生只不過是一場遊戲，到她唱著”No matter the blues / No matter the pain / Everything leads me back to you / I know I’ve got to go” 卻是多麼的溫婉治癒。〈Awkward Seal〉是mindfreakkk寫給Tanskul的歌，介乎synth-pop與indie rock之間，歌曲名字源自9GAG時代的經典meme圖「尷尬的海豹」Awkward Seal。〈Giant Baby〉是關於拒絕成長，以輕快的曲子來訴說不想當成年人，我們都是一個個giant babies。
班門弄斧Bandmennofool presents:
mindfreakkk - Live in Hong Kong
日期：2024年9月20日（星期五）
地點：Soho House HK（1樓）
開門時間：19:30
票價：預售$480 / 現場$550
去年12月，N.Y.P.D. 南洋派對在《Clockenflap》的Orbit Stage舉行了一次樂隊歷來最精采、猶如宗教般的演出，當日他們在音樂節上於過千名觀眾前公演了新作〈冷氣機滴水〉(之前已在同年9月於韓國DMZ Peace Train Music Festival作全球首演過)。相信在場大多數本地樂迷都是首次聽到這首南洋派對的新歌，而在Orbit Stage現場正見證到大家得以跟著「滴、滴、滴、滴、滴」地唱和的歷史性時刻，那時已心想這定必會成為南洋派對的另一神曲anthem。
2020年首張同名專輯《南洋派對》裡幾乎首首歌都成為樂隊的經典(甚至到近期仍見到有報章專欄談論他們這批幾年前舊作)，到底南洋派對何以再締造突破，這是我在心裡所存在的疑問。
南洋派對就是一隊不按章法的樂隊。今年4月間他們發表足足四年來的全新回歸單曲並不是大家期待的〈冷氣機滴水〉而是〈Easy Lighter 借火〉，還連同四個remix版以唱佛機(Buddha Machine) 形式出版；跟《南洋派對》相隔四載在6月間所帶來其第二張專輯《G.A.I. G.A.I.》，是一張全採用A.I. 創作的專輯(限量出版了100套card holder + bank card USB flash drive)，共52首曲目全長1小時45分鐘，實情是這是他們的A.I. remake專輯——以人工智能來重新闡釋/惡搞其歌曲，出來的戲謔意味來得有增而無減，古靈精怪騎呢地大玩多元曲風(聽到笑撚咗)，而亮點是當中有多首歌曲是由〈冷氣機滴水〉演化蛻變出來，但就是沒有收錄原版〈冷氣機滴水〉，實行吊下大家癮。
也是何解他們在這個8月正式發表〈冷氣機滴水〉時，是多麼千呼萬喚始出來！
〈冷氣機滴水〉本身已足以成為南洋派對的神曲。通過介乎krautrock、psychedelic、surf rock與post-punk之間的曲風，來控訴香港這塊人煙稠密彈丸之地所長期面對冷氣機滴水滋擾問題，相當之貼地的題材。
〈冷氣機滴水〉繪形繪聲地所描述就是冷氣機滴水令到一家大細無覺好瞓、令到衫褲鞋襪濕晒，產生公眾衛生與個人精神健康之困擾。「滴水之恩 / 當湧泉相報」引用自古語「滴水之恩，湧泉相報」，意指賢人義士受人一點小小恩惠也應加倍報答，再接上「咁冷氣機滴水呢 / 就一於投訴」——這四句歌詞已一針見血、字字鏗鏘而又具有反諷意味，尤其是主唱Jon以甚酷的歌聲煞有介事地唱出來，甚至得以猶如一首protest song般有力。
五分多鐘的〈冷氣機滴水〉之曲風來得甚具起承轉合。從有著暗湧張力之結他riff、迷魂琴音與 marching drum構成的扣人心弦krautrock / psychedelic組態，再推至 surf rock 的狂放馳騁段落，回落過後又重投迷幻曲風繼而再upbeat急激起來，Jon唱得愈見歇斯底里，有如德國科隆krautrock先鋒樂團Can的變化多端歌曲鋪排。
歌曲由Luke Casey執導的復古風mv，也是向Can在1971年於德國音樂節目Beat-Club演出一曲〈Paperhouse〉的影片致敬(綠幕拍攝key上背景)，又配以《歡樂今宵》現場觀眾花絮與浮誇冷氣機廣告片段的懷舊影片，玩味十足。這也是南洋派對首個以full band真人現身登場拍攝的mv。
〈冷氣機滴水〉作為單曲之餘，亦以EP(現在的所謂單曲專輯) 形式上架，另收錄四首來自《G.A.I. G.A.I.》專輯𥚃由〈冷氣機滴水〉所衍生出的A.I.歌(但不只這四首呢)。disco風的〈滴滴滴滴滴士高〉、文青folk-hop風的〈明明聽日係放假〉、古巴cha-cha-chá風的〈夏灣拿之夜〉、葡萄牙fade風的〈里斯本冷氣機師傅〉，聽著那些「唔啱音」的廣東話歌詞已令人會心微笑，但同樣是在「滴、滴、滴、滴、滴」地唱著。
Btw, 如果特區政府夠膽用〈冷氣機滴水〉做冷氣機滴水滋擾問題的宣傳歌，甚至找來南洋派對粉墨登場拍宣傳片，香港就有希望了。
K-pop女團BLACKPINK泰妹成員LISA在6月尾發表她以個人姿態加盟歷史悠久美國著名廠牌RCA Records後的首支英文歌單曲〈Rockstar〉，旋即成為一時佳話。而〈Rockstar〉的單曲專輯裡除了歌曲原版之外，還有其extended版和instrumental版，以及一個Sped Up加速版和一個Slowed Down減速版。
當今K-pop界盛行為歌曲帶來加速版與減速版這個玩意，前者令歌曲卡通片起來、後者變成拉牛上樹，據知是源自TikTok的玩法，但那些Sped Up和Slowed Down版都是非官方製作的，在YouTube上可以找到。而今次LISA則是鮮有地以官方形式推出Sped Up與Slowed Down版歌曲的巨星級K-pop藝人。
咁呢啲Sped Up版、Slowed Down版有咩好聽呢？總之就是Gen Z樂迷聽得過癮吧。
那麼，說來德國杜塞爾多夫傳奇性krautrok樂團NEU!，由Michael Rother和Klaus Dinger二人組成的他們，大可稱得上是Sped Up / Slowed Down音樂先鋒鼻祖。
這個甚cult的音樂典故，要追溯到Neu! 在1973年發表的第二張專輯《Neu! 2》。話說當樂隊錄製《Neu! 2》時，他們只灌錄了專輯第一面的作品，就已差不多把Brain Records所預付的製作費殆盡(因為是二人還用這筆資金添置了一批新器材)，專輯第二面的曲目仍懸空，而餘下來的經費只容許他們在一夜之間把專輯第二面完成。
當時Klaus Dinger乃忽發奇想，那就是把之前以double A-side單曲形式發行的兩首作品〈Super〉與〈Neuschnee〉快快手來個改造。於是，便衍生了〈Super〉的減速版〈Super 16〉和加速版〈Super 78〉，〈Neuschnee〉的加速版〈Neuschnee 78〉，以慢速手攪動播放〈Neuschnee〉(背後是Michael Rother與監製Conny Plank的對話)但又突然來個加速倒播而成的〈Hallo Excentrico!〉，以及就像用一台故障卡式機播放出來的〈Cassetto〉，再加上〈Super〉和〈Neuschnee〉的原版，便構成《Neu! 2》整整第二面的七首曲目。
咁有咩好聽呢？從實驗音樂而言，聽到是一種扭曲變異的快感。更重要是這幾個〈Super〉與〈Neuschnee〉的加速減速版，在後世被視為開拓remix與turntablism的概念；而如今來看，更是開創推出作品的Sped Up與Slowed Down版之先河呢。
然而當時的媒體與樂迷並沒有這樣的想法，沒有領悟到他們的先知與破格意義，所之只覺得是遭Neu! 愚弄，欺騙樂迷，視之為樂隊荒誕的舉動。所以《Neu! 2》無論是銷量及評價，皆遜色於他們的1971年首張同名專輯《Neu! 》，促使Neu! 二人在意興闌珊下踏上瓦解之路。
而〈Super 16〉還有一個更cult的典故，就是被王羽的1976年電影《獨臂拳王大破血滴子Master of the Flying Guillotine》用作開場片配樂(再接上〈Super〉) ； 廿七年後，又被Quentin Tarantino 的2003年電影《標殺令Kill Bill Volume 1》用作配樂。
7月27號晚呆在家中，從社交媒體上得悉Kraftwerk在日本Fuji Rock Festival的Green Stage演出上，演奏了坂本龍一的1983年電影《Merry Christmas, Mr Lawrence》的主題曲，以向去年3月逝世的教授致敬。因為我有多位朋友都置身Fuji Rock現場看到Kraftwerk 這個歷史性表演時刻(好叫我羨慕死)，並即時分享到其社交媒體，所以我看到的是第一手消息，跟著才有音樂媒體報道。
當晚我在想，假如我是在Fuji Rock Festival現場看到Kraftwerk演奏坂本龍一曲目的一刻，我會有甚麼反應呢？
Kraftwerk玩出〈Merry Christmas, Mr. Lawrence〉前，靈魂人物Ralf Hütter說：「下一首曲目，是我朋友坂本龍一的作品。」台上的屏幕隨即亮起一幅Ralf與坂本教授在1981年的合照。「我們是永遠的朋友，自 1981 年我們在東京舉行首場 Kraftwerk 音樂會起。」並且說：「2012 年《No Nukes 》音樂節，坂本為我的〈Radioactivity〉創作了新的日語歌詞於這場音樂會演出。」從此Kraftwerk這首探討輻射的1975年曲目便衍生了一個日語歌詞版(又名Fukushima Version)：日本でも 放射能 / きょうも いつまでも / フクシマ 放射能 / 空気 水 すべて / 日本でも 放射能 / いますぐ やめろ」) 。反核，正是坂本教授生前的一大使命。
Kraftwerk演奏的〈Merry Christmas, Mr. Lawrence〉只有短短不夠兩分鐘，聽到是Ralf Hütter的鋼琴獨奏配以背後的synth聲，隨即引伸出《Radio-Activity》專輯的序曲〈Geiger Counter〉，再帶出含日語歌詞的〈Radioactivity〉，三者得以構成演出裡的組曲。說來，最後一次聽到Ralf Hütter彈奏鋼琴的Kraftwerk曲目，已是50年前的1974年專輯《Autobahn》裡的〈Morgenspaziergang〉。
重點是，Kraftwerk過去從沒有翻玩過別人的作品，今次在Fuji Rock為向教授致敬而奏出〈Merry Christmas, Mr. Lawrence〉，是他們成軍54年來首次破戒玩cover version。
到底Ralf Hütter與坂本龍一有幾惺惺相惜，而令到Kraftwerk破天荒地玩改編音樂。其實這已不是Ralf Hütter / Kraftwerk第一次為坂本龍一而破戒。
Kraftwerk是一隊採取嚴格管理作風的樂隊，所以他們一直以來都沒有任何對外的合作，曾叩門跟Ralf Hütter等人會面傾談合作事宜如「柏林時期」的 David Bowie 及 80年代的Michael Jackson ，皆未能成事；Kraftwerk也從不會在別人的唱片裡客串——而絕無僅有的一次，是坂本龍一策動的「反地雷」音樂計劃 N.M.L. ( No More Landmine ) 在2001年發表的籌款單曲〈 Zero Landmine 〉，便破天荒地得到 Kraftwerk 情商參與負責 sound logo 電腦人聲。
作為Brian Eno的忠粉追隨者，他交由美國獨立電影製作人Gary Hustwit執導的的首齣官方紀錄片《ENO》，毋庸置疑叫我為之萬分引頸以待。影片的別開生面之處，是每場放映都是獨特的——以電腦程式來生成迥然有別的場景與秩序，所以每次放映時都會呈現不同的版本、有不同的現場體驗，絕對是非一般的音樂傳記紀錄片，也體現到Eno這位影響力無遠弗屆的英國前衛音樂宗師對創作科技的運用。
我不知道何時才有機會看到《ENO》的放映，如今聽著《ENO》的雙黑膠電影原聲專輯，也許暫且可作聊以自慰吧。所收錄的17首曲目，都是出現過在《ENO》的樂曲，橫跨足足50年的Eno作品。除了他的個人曲目之外，近半數是他跟別人聯袂合作(collaborative) 的。尚未看過紀錄片《ENO》之前，我會視這套OST為Eno的精選專輯來欣賞。
說起Eno的精選，我會想起他的1986年精選專輯《More Blank Than Frank》(CD版則喚作《Desert Island Selection》) ，那是他的四張art rock / avant rock專輯的總結；還有兩套在1993年發行的3CD box set 《Eno Box I: Instrumental》和《Eno Box II: Vocal》，開宗明義地劃分成器樂作品與歌曲作品的兩盒精選(這兩套box set當年叫我多麼愛不釋手)；近年則有《Film Music 1976-2020》這套2020年電影配樂雙專輯精選。
來到今次的《ENO》OST專輯，則是得以把Brian Eno歷年來的器樂曲目與歌曲曲目、靜態氛圍曲目與搖滾曲目/具節奏感曲目，梅花間竹、不按時序地共冶一爐選輯，構成是前所未有的Eno作品聆聽新體驗，聽出一種幸福感。
《ENO》OST由Eno的2024年新作、回憶錄式ambient-ballad歌曲〈All I Remember〉揭開序幕(I try to remember the treasure we found in those days / In retrospect tiny as diamonds / Stars in the black heart of space) ，也是專輯裡未經發表的曲目之一。而最早的曲目，是來自其1974年秋天發行第二張個人專輯《Taking Tiger Mountain (By Strategy)》的「三叔」〈Third Uncle〉，而非來自其1974年初首張個人專輯《Here Come the Warm Jets》，但也得以祭出剛好50年音樂生涯時空之總結意義。
就專輯長度所限，《ENO》OST裡沒有Eno的長篇ambient曲目是可以理解，然而其著名「ambient系列」專輯屬短篇曲目如《Ambient 2: The Plateaux of Mirror》(與Harold Budd合作) 和《Ambient 4: On Land》也沒有作品被收錄在內，則不明所以。而所輯錄的也並非以他在上世紀70、80年代的石破天驚作經典作品為主，反之有近半數的曲目是Eno自2000年代以降的作品，見證到他與時俱進、孜孜不息的創作力。也因為《ENO》OST的選曲不是主打其經典作，所以當中乃收錄了不少他的滄海遺珠佳作。
Eno的70年代作品，除了〈Third Uncle〉之外，就只有1975年第三張個人專輯《Another Green World》的〈Sky Saw〉，以及跟德國前衛電音二人樂團Cluster合作的1977年專輯《Cluster & Eno》的〈Ho Renomo〉共三首而已。前兩者(一首張牙舞爪、一首奇幻如騰雲駕霧)皆是Eno的art rock / avant rock經典，後者是他與krautrock系電音通婚的夢幻迷魂ambient樂曲。
貫徹Eno熱衷對外合作的作風，在《ENO》裡收錄了很多他的collaborative作品。除了Cluster之外，為樂迷津津樂道的包括他跟David Byrne(Talking Heads)合作獲譽為sampling與world fusion音樂先鋒的1981年專輯《My Life in the Bush of Ghosts》，一曲〈Regiment〉正包含黎巴嫩山地歌手Dunya Younes唱詠的取樣，而27年後二人再續前緣聯袂在2008年發表song-based專輯《Everything That Happens Will Happen Today》，〈Everything That Happens〉是如斯雋永窩心的electronic-gospel流行曲；1983年夥拍加拿大製作人Daniel Lanois 及其胞弟Roger Eno發表美國記者兼導演Al Reinert為美國太空總署 NASA 執導的載人太空任務「阿波羅計劃」紀錄片《 Apollo 》的配樂專輯《 Apollo: Atmospheres and Soundtracks 》，〈The Secret Place〉是色調幽悒荒涼的ambient樂章；1990年跟John Cale(The Velvet Underground)成員聯袂合作的art rock流行曲專輯《Wrong Way Up》，〈Spinning Away〉是多麼如流水行雲的清爽art-pop歌曲。
Eno合作過的不獨只有上述的傳奇性名字，自2000年代起所合作的又是新一輪景象。2010年跟結他手Leo Abrahams和電音樂手Jon Hopkins合作的虛擬配樂專輯《Small Craft on a Milk Sea》，在電鋼琴下〈Emerald and Lime〉是如斯溫暖而愛意洋溢、叫人怦然心動的幽美樂章；跟首居於紐約市及柏林的英國鋼琴演奏家Tom Rogerson合作的2018年專輯《Finding Shore》是以Tom Rogerson with Brian Eno名義發表，Eno不是主角但可見他對這張作品的重視，〈Motion In Field〉是有著minimalism音樂肌理的夢幻幽美樂章；去年跟90後倫敦製作人Fred again.. 合作的《Secret Life》是美麗而嶄新的ambient專輯，〈Cmon〉蘊含倫敦alternative soul二人女子組合Bad Honey一曲〈Hjem (Please Make It Better)〉以及倫敦blues-soul女唱作人Winnie Raeder的人聲sample。
而Eno的個人曲目當中有不少他的遺珠之作。比如當年胎死腹中的1991年專輯《My Squelchy Life》一曲〈Stiff〉，是首明快、清爽、幽默的結他主導的流行曲作品，甚至那時為此曲拍下的影片如今亦重見天日、以mv重現。
而被視為《My Squelchy Life》姊妹專輯的《Nerve Net》(1992年)，一向是我心目中Eno備受低估的個人專輯，預視了互聯網紀元的未來主義electronic-avant-rock風格，〈Fractal Zoom〉是多麼酷的電幻歌曲。
2022年《FOREVERANDEVERNOMORE》是Eno最近期的官方個人專輯，祭出他史無前例的「ambient歌曲」(既是靜謐ambient又是以歌曲主導、每首曲目都聽到他開腔獻唱) ，〈There Were Bells〉是來得混然天成的ambient詩歌。翌年再推出《FOREVERANDEVERNOMORE》的「無人聲版」《FOREVER VOICELESS》，〈Hardly Me〉就是〈I’m Hardly Me〉的淒美器樂版(原曲是Eno跟其細女Darla Eno合唱)。
而《ENO》裡另一未曾發表的曲目，是取自其Eno’s Sonos Radio Station的The Lighthouse系列作品〈Lighthouse #429〉，叫人聯想起Holger Czukay與Jon Hassell聲音的experimental-jazz-rock作品。
《ENO》OST的結尾歌，是2021年與Roger Eno在希臘的聯合國教科文組織世界遺產古跡雅典衛城(The Acropolis)希羅德·阿提庫斯劇場(Odeon of Herodes Atticus)舉行的Epidaurus Festival，重玩其1977年專輯《Before and After Science》跟Cluster成員合作的淡淡然哀愁avant-ballad經典作〈By This River〉。
泰國清邁四人獨立樂隊COMMON PEOPLE LIKE YOU將會在8月8號於Mom Livehouse舉行他們的香港專場音樂會。記得當我第一次見到COMMON PEOPLE LIKE YOU這個樂隊名字時，隨即發出了一個會心微笑，腦海裡便響起了英倫名團Pulp的1995年Britpop神曲〈Common People〉所大唱”I wanna sleep with common people like you” / “Wanna live with common people like you” ，然後心想——他們定是很90年代Britpop風格的泰國樂團吧。
COMMON PEOPLE LIKE YOU是一支創作英文歌的泰國樂隊，但他們的聲音其實又並不盡然是非常之90年代Britpop。反之，他們那糅合著Brit rock、garage rock與post-punk薰陶、呈現著相當粗獷性的indie rock風格，聽來得較接近2000年初葉一眾「post-punk復興」樂團。可肯定的是，這支清邁樂隊是很有英倫搖滾血統，而且是師承90年代至2000年代的獨立搖滾vibes而來。
至於樂隊以COMMON PEOPLE LIKE YOU命名，正是他們將自己比喻為Jarvis Cocker筆下的窮小子/下層階級，沒有特權、沒有菁英的普通人，所以樂隊起初的歌曲也會涉及社會性與政治性的題材。長毛主唱兼結他手Ti那漫不經心的演繹，每每帶著輕蔑的態度。
樂隊在2020年夏天發表的首張單曲〈Rainbow Party〉，來得搶耳又groovy的post-punk曲目，在未段便足以叫大家跟著singalong高唱“Do you hear the people sing? / Singing a song of angry men? / This is the music of a people / Who will not be slaves again” ，呈現出是他們的angry young men憤世嫉俗情緒。
出道四年，COMMON PEOPLE LIKE YOU迄今仍是甚具初生之犢的獨立樂隊，共發表過七張單曲，期間亦在2022年初出版了一張五曲EP《For The Greater Good》，算是樂隊的一個階段的總結。
《For The Greater Good》EP裡除了〈Rainbow Party〉外，第二支單曲〈World-Shaped Box〉以清爽明快的曲子來道出世界就像是個死胡同，我們都被困在苦悶的「世界形狀盒子」裡；第三支單曲〈How Can We Live Forever?〉有如The Strokes的流水行雲歌曲，質疑如何可以一成不變地永遠活下去，人們是需要改變，否則只有在浪費時間。而在EP面世超過半年才釋出mv的〈NOTLOVENOTLOVE〉，是他們最Britpop的garage rock歌曲，浪漫而傷感不已。
如果說《For The Greater Good》是他們的小總結，那麼跟著就是樂隊的新階段開始。來到2023年下旬COMMON PEOPLE LIKE YOU相繼發行了三支單曲：先來〈I Have A Dream〉這首好比早年Arctic Monkeys般張力十足的Brit rock / garage rock，清爽流暢的post-punk曲目〈Stay Down〉聽得到流著是Joy Division / New Order的血脈 ，問道：”Reckless and openness, Why we insist? / Sad jokes and emptiness, Why we exist?” ，而〈Notalk〉就是他們最治癒的post-punk / Britpop歌曲。沒有了以往那麼騷動，在題材上乃多了一份深度與內斂。
今年4月推出新單曲〈SUN〉 繼續跟大家探討人生哲理(“Be kind cause our life is all a vapor / Behave, belong, and then begone / Although we might not able to walk any further / Just remember, there’s always the sun”)，懾人心魄的歌，結他主奏跟Ti的主唱絲絲入扣而來，再延伸出尾段長長的演奏。
期待看到COMMON PEOPLE LIKE YOU的現場演出，還有樂隊會在今個夏天面世的首張專輯。
班門弄斧Bandmennofool presents:
COMMON PEOPLE LIKE YOU︱Live in Hong Kong
supporting act: Diane Squat
日期：2024 年 8 月 8 日 (四)
地點：MOM Livehouse
時間：入場 1900 / 開始 1945
票價：早鳥 $350 / 當日 $450
AURORA：用心靈療癒土地
26 Jun 2024 3:29 AM (9 months ago)
挪威音樂精靈唱作女生AURORA在2022年初發表其第三張專輯《The Gods We Can Touch》，被視為她的一個重大分水嶺、象徵其音樂生涯「新紀元」，專輯得以登上英國排行榜的十大位置，令這個北歐音樂名字進一步炙手可熱起來，走得更遠。《The Gods We Can Touch》是我當年甚喜愛的高質專輯，但同時見到〈Cure For Me〉成為了TikTok大熱歌，又抑或之後她跟吳青峰合作，也倒叫我膽心日後AURORA會朝向更流行的音樂路線進發。
直至我聽畢現年28歲的AURORA在今個6月面世的第四張專輯《What Happened to The Heart?》，我也釋出我的疑慮。甚至乎她這張兩年來的全新專輯可見到其創作野心，叫人聽得甚有驚喜。
當AURORA正在為《The Gods We Can Touch》巡演的時候，她已啓動了《What Happened to The Heart?》的創作念頭。靈感來自當年4月她閱讀到一群原住民行動主義人士共同撰寫的信，題為《We Are the Earth》，呼籲一場革命：集體應對全球暖化，以「療癒大地」，他們形容”through our hearts”與大地相連，而地球是”the heart that pulsates within us” ，這封信讓AURORA思考到一個問題：”What happened to the heart?”， 從而引伸成專輯的名字與概念 。《What Happened to the Heart?》是AURORA一張很個人化與心靈化的專輯，祭出從軟弱到堅強、從自我毀滅到自我療癒的內省音樂旅程。
一如以往AURORA的音樂風格，《What Happened to The Heart?》呈現出是介乎電音與民謠的聲音。而因為她是以回應大地為題(專輯的song credit也是寫上written by AURORA and The Earth)，今次的作品是富有相當的民謠元素，所說的不獨是北歐的Nordic folk，甚至是近跡world music系的原住民民族音樂/民謠薰陶；與此同時，其電音曲風亦來得更為電氣橫流。重點是62分鐘的專輯16首曲目，每首作品的曲風皆呈現各具異稟的色彩。
《What Happened to The Heart?》由〈Echo Of My Shadow〉揭開序幕，是一首如斯詩情畫意、引人入勝的ethereal wave / dream-pop ballad曲目，從而引伸出〈To Be Alright〉這首公認為足以聯想起Kate Bush在 80年代art pop風格的歌曲，那synth drums鼓聲不是很80’s嗎？
以專輯的編製，跟著就是一連三首主打單曲。最先在去年秋天釋出的先行單曲〈Your Blood〉，以結他主導的歌，起初來得folk-based，然後變作有著明快節拍的 indie-pop，她唱道：“When all inside you burns like a star / It's after you burn out that you are / Reborn again, hm, reborn again”，旋律溫婉動聽而又富有思潮起伏。第二支單曲〈The Conflict Of The Mind〉是首縈繞心頭而帶著淡淡然哀愁的synth-ballad / folktronica，美得沒話說，曲中mellotron由AURORA親自彈奏，最後她雋永地唱道：”Don't let your spirit die / This is just a conflict of the mind / Is your heart alive? / You'll overcome a conflict of the mind”。 第三支單曲〈Some Type Of Skin〉是關於和平的歌(We're good people / And we deserve peace / It's difficult, it seems)，epic風的synth-pop，AURORA唱出了力量，而其和唱亦有著某種民族唱詠色彩。
來到第四支單曲〈Starvation〉(跟《What Happened to The Heart?》同日發表) ，方真正叫我為之大感驚豔。德國製作人Nicolas Rebscher操刀下，這首有著民謠曲調的歌曲由 IDM / deep techno曲風(伴以marching drum)而推至高壓hard techno，最後突然煞停，已叫人聽得甚痛快。這是道出靈魂饑餓/靈魂正在挨餓的歌，也是專輯命題的核心，帶點存在主義(Why do we have to die / For us to see the light? / And we hunger for love)，當她唱到” Break me / Break me / Chasing the enemy / Got a deal with the devil but I got the stamina” 是多麼的扣人心弦。
《What Happened to The Heart?》是AURORA很土地很民謠/民族的專輯。〈The Essence〉宛如一首古樸民謠，〈Earthly Delights〉是空靈的 electro-pop / folktronica歌曲，有著民族節奏肌理的〈The Dark Dresses Lightly〉是她的world music / world fusion風作品，〈A Soul With No King〉展現出中世紀民謠風格但卻暗湧出另類搖滾的聲音來，〈Dreams〉是美不勝收的dream-pop / folk-ballad，〈Do You Feel?〉以古老民謠式曲子配以 upbeat 的disco節拍。而〈The Blade〉由post-punk低迴bassline帶出神秘的民族chanting唱詠再來引伸出AURORA孤高歌聲，歌曲則拓展成伴以鏗鏘的金屬味電音敲擊的industrial rock曲風。
回想AURORA曾在The Chemical Brothers的2019年專輯《No Geography》客串獻聲兼共同創作三曲，多年後喜見The Chemical Brothers的Tom Rowlands在她的專輯裡合作。得到挪威唱作人Ane Brun客串的〈My Name〉有Tom Rowlands參與監製，「好電」的electro-pop；〈My Body Is Not Mine〉則是她跟Tom Rowlands合寫的電幻art-pop，AURORA的演繹再次叫人聯想起 Kate Bush，歌曲尾段突然跳格至歇斯底里高壓電聲橫流。
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今年是我的兩部樂評作品集《音樂殖民地》「紅書」和「藍書」出版30週年(分別在1994年2月及8月面世)。回到當我在籌備「紅書」的時候，就要決定出版甚麼尺寸的書度，那時我的想法就是不要跟標準書度，而是要我的書來得與別不同而又同音樂有關。年少輕狂的我(當時我才21歲)一下子就想到：我要出版7”黑膠細碟封套般的正方size書！自資出版的好處是有無限的自由度、不用限制自己的想像，即使只是低成本製作。 
自2013年起，我開始在Spotify選輯我的年度精選歌單。起初是臨近年尾時才動工，然後提早到年中過後便啟動，後來索性在每年第一季內已開定個新歌單，見有喜歡的新歌便加入，到臨近年尾就著手編輯、大執位砌靚個flow，從而大功告成可以公諸同好。 
喺好耐好耐之前，有隊英國樂隊好鍾意嚟香港開concert，自樂隊第二張專輯起，佢哋每出一張專輯就嚟香港做一次show，足跡遍佈伊館會展九展亞博，頻密程度是同期Britpop樂隊之冠、由佢哋建立好Britpop與香港樂迷嘅友好關係，甚至頻密到謠傳其主音歌手喺香港買咗樓，仲要言之鑿鑿話係黃埔花園。 
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